Sueños de Posguerra desde Sarajevo

Una entrevista entre Šejla Kmerić y Michal Koleček con ocasión de su exhibición individual en la Galería Emil Filla de Ústí nad Labem.

Šejla, actualmente vives en Berlín. ¿Podrías describir o comparar la posición de un artista dentro de las sociedades occidental y oriental?
Me mudé a Berlín gracias a la beca de la DAAD Artist in Residency que obtuve en 2007. Mi decisión de venir aquí fue pragmática, similar a la de muchos artistas alrededor del mundo. Berlín deliberadamente atrae a los artistas, así que se crea una especie de panal. De hecho es una situación única, lo que hace que la posición del artista dentro de ella sea muy inspiradora, pero no es exactamente un ejemplo representativo de la posición del artista dentro de la sociedad occidental en general.

¿Podrías describir el marco institucional contemporáneo de las artes visuales en Sarajevo?
Existe un número considerable de instituciones que supuestamente tienen que ver con las artes visuales en Sarajevo, pero nunca ha existido una política cultural articulada para apoyar sus actividades. Cada una de esas instituciones actualmente está luchando para sobrevivir, principalmente debido a dificultades financieras. Es una realidad bastante triste y lo que la hace aún peor es el hecho de que las iniciativas individuales no pueden resolver el problema; es necesaria una solidaridad política más amplia, lo que ha demostrado ser muy difícil de lograr en la realidad política actual de Bosnia.

¿Aún cooperas con todas las instituciones de Sarajevo?
Tengo una relación muy cercana con el Sarajevo Center of Contemporary Art y su estudio de producción pro.ba. Estoy agradecida con el SCCA y con Dunja Blazevic por su apoyo a través de los años. Trabajan en condiciones muy difíciles, casi humillantes y aun así, apoyan a los artistas y cineastas en Bosnia y Herzegovina.

¿Podrías comparar la situación actual del arte en Bosnia con el primer periodo de posguerra (segunda mitad de los noventa)?
Antes de que estuviéramos más excluidos y fuéramos más exclusivos debido a la guerra. Actualmente, un buen número de artistas de B y H están presentes en la escena del arte internacional pero, no se hace mucho en casa para apoyarlos y, lo que es más importante, para impulsar el surgimiento de nuevos talentos.

En tus proyectos artísticos es frecuente ver principios de documentalismo. ¿Podrías describir la manera, en que conectas el material real con la estructura estética y poética de tus obras de arte?
Disloco el material real y lo introduzco e un nuevo medio ambiente o contexto, de esa forma, trato de exponerlo a lecturas diferentes. Frecuentemente, es la forma más simple la que crea la sensación más fuerte. Anteriormente lo llamaba yo el método de la copia, ahora, pienso en él como en un volver a recordar. Es muy parecido a imaginar algo, como si fuera un recuerdo profundo. La esencia permanece; un detalle es suficiente para traer de regreso todas las emociones olvidadas. La imaginación viene a llenar los vacíos que los recuerdos contienen.

Se reconocen tus obras por el uso de efectos cinemáticos y perfiles. ¿Dónde sientes que se encuentra la frontera entre hacer cine y el video arte? ¿Es esta comparación importante para ti?
No estoy interesada en las fronteras en el arte. No veo ninguna razón para ser estricta en la definición de los diferentes medios en el arte, puesto que no se trata de competición ni siquiera de comparación. Yo amo al cine y por supuesto que ha influenciado en mi obra. Es excitante utilizar diferentes herramientas y lenguajes para capturar las emociones y contar historias de tal forma que puedan llegar a una mayor audiencia.

El tema de las “cicatrices” es recurrente en tus obras recientes. ¿Podrías explicarnos el cambio de la simple reacción artística directa de parte de ciertos mecanismos sociales a la más íntima estrategia, que se enfoca en su reflejo y empatía?
Las cicatrices son recuerdos dolorosos, cuando las tienes presentes en tus memorias apenas si es posible borrarlas. El confrontar las causas algunas veces es suficiente para mostrar las consecuencias. Mi aproximación podrá parecer diferente, pero sigue siendo una reacción muy directa a un asunto concreto.

Un momento de cuentacuentos (línea narrativa) se presenta en tu pieza “Wall”, que fue exhibida en Ústí nad Labem. ¿Cómo lidias con la conexión entre la historia dada y su interpretación, que está influenciada por la distancia temporal y las condiciones sociales (que pueden cambiar el significado de la historia o hacerla más clara y más certera)?
El punto de partida para esta pieza fue la historia de Leonid Andrejev “The Wall” que leí cuando era adolescente antes de la guerra en Yugoslavia. La forma en que la historia cambió en mi memoria y se convirtió en parte de mi experiencia posterior fue la llave para su re-interpretación. Le pedí a los actores que adaptaran esta historia como si fuera suya y que trataran de volverla a vivir, en lugar de sólo contarla. Su reacción fue instintiva. Los actores conectaron la historia con sus propias memorias. La historia se convirtió en realidad porque las emociones que expresaron fueron honestas.

En la pieza “We were chilling by the pool, when the war started” (Nos estábamos congelando fuera de la alberca cuando la guerra comenzó) utilizas una imagen ordinaria en conexión con el significativo título de la obra de arte. Podrías decirme ¿Cómo es el momento lingüístico o textual importante para la estructura del proyecto artístico en este caso?
La imagen se tomó en Jerusalén en el 2005 cuando Israel invadió al Líbano a consecuencia del secuestro, llevado a cabo por Hezbollah, de dos de sus soldados. Antes de tomar la foto yo tenía esta oración en mente. Era la información exacta, la realidad que parecía tan irreal. Sin el texto, esta obra no existiría.

Pienso que tus obras de arte “Red” y “Green” involucran una connotación ambivalente en relación al deseo humano por la auto-promoción y también una trágica autodestrucción. ¿Podrías interpretar este momento? (¿En relación a la situación social de la sociedad de la posguerra en los países balcánicos?)
“Como entes significativos, dejamos marcas en nuestro mundo y así creamos nuestras culturas. Estas marcas van desde las imágenes y los sonidos, hasta las heridas y cicatrices” (*) En las obras “Red” y “Green” ofrezco documentos de comportamiento humano. Reconozco las cicatrices que han sido pasadas por alto por considerarlas menores, pero que no dejan de ser evidencia directa de destrucción. En una sociedad de posguerra esas cicatrices son más evidentes, pero pueden encontrarse por todos lados.

Tu proyecto de arte público titulado “EU citizens / Others”, instalada en Ljubljana, en la obra de Plecnik, Three Bridges (uno de los monumentos arquitectónicos modernistas más importantes en la región de la antigua Yugoslavia) se centró en una reflexión sobre la Europa dividida ¿Sientes que tu posición -como ciudadana, mujer y artista- del “Este” ha cambiado dentro del marco de la Unión Europea en el transcurso de los últimos ocho años?
De hecho, mi posición no ha cambiado. La pieza que hice para Manifesta 3 en Ljubljana era sobre la segregación. Gracias a señales políticamente correctas, “Others” ha sido cambiado por “Non EU Citizens”. Ese es el mayor cambio que veo.
* “Blue, Red & Green”, Damir Arsenijević

Junio – Julio, 2008.

01.02.2008